ANTONIONI e VITTI

Una storia d’amore e di cinema

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Disegno digitale: Roberta Coralluzzo

ANTONIONI E VITTI

NOUVELLE VAGUE 3

RASSEGNA

Racconti del Contemporaneo VI Edizione

Antonioni e Vitti
Una storia d’amore e di cinema

Sui Set 1959-1964
Fotografie di Enrico Appetito

Dall’8 ottobre al 13 novembre 2022

Complesso San Michele, Salerno via San Michele n.10

SFOGLIA LA BROCHURE

Una Storia d’amore e di cinema

Di Alfonso Amendola

Questa mostra è un dialogare. È un dialogo visivo, infatti, quello tra Michelangelo Antonioni ed Enrico Appetito. Un dialogo forte, costante, denso, appassionato ed analitico che si realizza sui due set de L’avventura (1959-60) e Il deserto rosso (1964) che, assieme a La notte (1961) e L’eclisse (1962), costituiscono la “tetralogia dell’incomunicabilità”. Il mestiere di fotografo di Enrico Appetito (magistralmente vissuto dentro le pieghe composite del grande cinema: Petri, Godard, Visconti, Fellini, dialogando con gli “esordienti” Verdone, Ferrario, Monteleone, Zaccaro e senza dimenticare i volti di Alberto Sordi o Maria Callas o Laura Antonelli) riesce a creare con questi due film di Antonioni un qualcosa di visivamente “intimo”, unico. E proprio questa “intimità”, questa unicità la mostra vuol raccontare attraverso una scansione espositiva che si muove anche come una “narrazione nella narrazione” verso il set, il “dietro le quinte”, i backstage, i momenti di ripresa, gli scenari, le linee di fuga, le occasionalità e ancora i corpi, i volti, le intensità espressive degli attori (Lea Massari, Gabriele Ferzetti e soprattutto di Monica Vitti: straordinaria musa inquieta di questi 2 film che sono, anche, 2 straordinari ritratti di donna: Claudia e Giuliana).
Appetito affronta il tessuto filmico delle 2 storie antonioniane con lo sguardo di chi sa che il vero statuto espressivo della fotografia non è soltanto “identità e memoria” ma è il continuo superamento della fissità, della staticità, del “congelamento” dell’attimo ritratto. Le fotografie esposte ce la raccontano tutta questa rigorosa dialettica (tra fotografia e cinema, ma anche tra regista e fotografo). Una dialettica che ritroviamo all’interno di un racconto in sequenze fotografiche che, gradualmente, vengono rese come testo unitario rispetto all’agire cinematografico. Progressivamente la fotografia di Appetito è prima parte integrata dell’opera filmica di Antonioni e poi diventa evidente la sua graduale “autonomia” estetica e narrativa (precisamente resa dal montaggio espositivo negli ambienti di questa personale). Infatti, nell’incontro con il “cinema dell’incomunicabilità”, la fotografia di Appetito opera un sequenziale “sfondamento” dello spazio filmico, si sofferma sempre più sul dettaglio, fino ad arrivare a comporre una personale ritrattistica dei corpi, un lavoro perfetto sugli ambienti, un raffinato procedere di soggettive e primi piani. Appetito sa bene che Antonioni è un regista che lavora sull’evanescente, sul silenzio, sulle rarefazioni e non ultimo sull’impianto del pittorico come ulteriore spazio del vedere. E tutti questi elementi, compresa logicamente la matrice del visivo (che ritroviamo esemplare sia nello spaccato del bianco e nero e sia nella cromatura del colorico), respirano pienamente nella sua fotografia di scena. Insomma, quello che l’esposizione ci dona è un racconto fotografico che è giammai un agire da didascalica documentazione ma intima storia di un grande fotografo. Appetito, infatti, si muove con una razionale ansia di raggiungere un obiettivo tessendo una sua personale, precisa riflessione sul tempo cinematografico di Antonioni. E proprio questa “tensione” stilistica, questo suo particolare rapporto col tempo rende la sua fotografia estremamente amalgamata all’opera di Antonioni e al contempo “autonoma”. La trama fotografica di Appetito, nella sintesi dei 2 capolavori del cinema, riesce sempre a cogliere “l’idea” del lavoro cinematografico del regista ferrarese. Un’idea capace di sottolineare elementi precisi dalla vasta “invasione” di situazioni, spazi, architetture, volti, vuoti. Penso, ad esempio al taglio fotografico di Appetito nell’Avventura dove si sofferma ora sull’inquietudine degli attori e ora sulla luce luminosissima del film verso un paesaggio che tutto assorbe. Oppure sulle tematiche ambientali e post-industriali delle cromature a colori de Il Deserto rosso. E qui la “presenza” di Appetito diventa nodale, realizzando un racconto in blocchi di sequenza che non hanno bisogno di congiunzioni e diventano come un testo totalmente unitario e la “narrazione” di questa mostra ne è ulteriore espressione e sintesi. Ennesimo elemento compositivo del percorso espositivo lo si rintraccia nell’uso delle didascalie che accompagnano le opere. Un lavoro minuzioso, filologico che è aggiuntiva narrazione. Frasi, citazioni, frammenti di dialogo stralciati dai 2 film che da un lato sono un invito immersivo per lo spettatore e dall’altro ci sottolineano il ritmo e la laboriosità espressiva di questa mostra. Gli ultimi scatti, infine, possiamo leggerli come una sintesi e una prospettiva dove, in un perfetto cortocircuito espressivo, troviamo gli ultimi ritratti di Giuliana con il figlio, uno sguardo al “privato” (la Vitti con Antonioni) e un’eco di un frammento di un’intervista a Godard che ci apre un’immaginifica finestra verso un altro “dialogo”: la Nouvelle Vague, meno lontana da qui di quanto crediate.

La mostra aprirà al pubblico sabato 8 ottobre alle 10.30 e chiuderà il 13 novembre 2022

Eventi

Gli incontri, talk e cineforum, all’interno del Complesso San Michele sono a titolo gratuito.
Consigliata la prenotazione presso l’info Point del Complesso San Michele

Orari Mostra

– Dal lunedi al venerdì: 9.30-13.30 / 16.30-19.30
– Sabato e domenica orario continuato: 10.30-19.30

Biglietti Mostra

Intero: 8 euro

Ridotto: 5 euro ragazzi

Gratuito: per bambini e ragazzi fino ai 14 anni

Biglietteria

Complesso San Michele

Via S. Michele n. 10, 84122 Salerno

oppure su www.ticketsms.it

Clarissa Baldassarri.
Un dialogo aperto.

In dialogo con le opere di Clarissa Baldassarri
a cura di Alessandro Demma

Di Alessandro Demma

La mostra Antonioni e Vitti: Una Storia d’amore e di cinema è il viatico attorno al quale si è voluto aprire un ulteriore dialogo tra i linguaggi della cultura contemporanea. Così, oltre al confronto tra Michelangelo Antonioni ed Enrico Appetito, Tempi Moderni ha deciso di coinvolgere l’artista Clarissa Baldassarri per costruire un dialogo aperto in cui l’artista marchigiana ha saputo condensare i suoi lavori con la poetica, l’etica e l’estetica cinematografica del grande regista ferrarese, con l’autonomia narrativa delle fotografie di Appetito, confrontandosi, contestualmente, con l’affascinante spazio espositivo del Complesso San Michele.
Il lavoro di Clarissa Baldassarri si muove tra i sentieri incerti delle percezioni sensoriali, negli spazi che circondano, avvolgono e riflettono il nostro corpo, nella dimensione fisica e spirituale con cui la nostra esistenza è costretta a confrontarsi costantemente. Quello costruito dall’artista è un universo pluripercettivo che definisce alcuni aspetti fondamentali del nostro “essere nel mondo”, un teatro “metasensoriale” in cui viene fortemente messa in scena la relazione tra l’artista, l’opera e lo spettatore, a partire dalla superficie progettuale e processuale di un pensiero che si fa forma e sostanza. Riflessione teorica e creazione visiva, quindi, s’intrecciano in uno spazio che non è rappresentazione della realtà, non si separa dalla vita ma è esso stesso realtà, spazio totale di ragionamenti e di tracce dell’esistenza, un “universo metaiconico” da esplorare, sempre pronto, però, ad abbandonare la realtà stessa delle cose per verificarne il valore simbolico.
Clarissa Baldassarri si addentra nei sentieri complessi che riguardano la questione dell’immagine che, nella nostra epoca, è diventata figura di grande interesse teorico, estetico e culturale, un sintomo che s’impone alla nostra attenzione nel momento attuale, quello del confronto del fenomeno dell’immagine sociale e antropologica, con l’immagine ormai diffusa e prodotta dall’universo mediatico che ha trasformato la società delle macchine in “società dell’immagine”. Questa definizione assume un significato complesso che percorre esperienze evolutive in campo tecnico e tecnologico e che mette in questione tutto il rapporto tra l’immagine e il suo culto, tra icona e idolatria.
Un dibattito sulle condizioni dell’icona, dell’immagine, che vive uno stato di iperconsumo e iperestetismo da un lato di simulacro, di fantasma dall’altro, che spinge a riflettere sull’abbandono del reale e sulla sempre più intensa ricerca del valore simbolico dell’essere umano. Come ha sottolineato Ernst Cassirer in Filosofia delle forme simboliche, l’uomo vive in un “universo simbolico” e il linguaggio, il mito, l’arte e la religione sono parti di questo universo, sono i diversi fili che “intessono la rete simbolica, il complesso tessuto dell’esperienza umana. L’uomo, così, non può più confrontarsi direttamente con la realtà: non può vederla, come era prima, faccia a faccia. La realtà fisica sembra recedere in proporzione a quanto l’attività simbolica dell’uomo avanza”.
Proprio su tali questioni si tesse la trama dell’arte di Clarissa Baldassarri, sulla riflessione e la messa in scena della dimensione iconica e aniconica dell’opera d’arte, sulle questione delle percezioni date da immagini, da trasparenze e cancellazioni, vuoti e pieni, da elementi sonori e trasposizioni visive, da una dimensione artistica che vive sempre in un bilico tra presenza e assenza, da concetti che abitano spazi, architetture, icone, rarefazioni e dilatazioni, vuoti fisici e simbolici che generano nuove energie, nuove forme e nuove dimensioni possibili.

RASSEGNA

Racconti del Contemporaneo VI Edizione

La tetralogia di Michelangelo Antonioni

Talk, letture, conversazioni

A cura di Alfonso Amendola

La scelta di lavorare sui temi della tetralogia di Michelangelo Antonioni (L’avventura 1959-60, La notte 1961, L’eclisse 1962 e Il deserto rosso 1964) ci ha spinto a rintracciare in questi suoi quattro capitoli filmici (che rivedremo in una ritrovata dinamica da cineclub cult) una serie di “punti di vista” che, seppur in maniera inevitabilmente parziale, possono essere sguardo e viatico per avvicinare (o per ritrovare) l’opera del regista ferrarese. Il nastro espressivo di Antonioni consiste nella consapevolezza della frammentazione comunicativa che si compie nella sua poetica con un’assoluta percezione del dolore e della realtà traducendosi in un cinema di grande innovazione e stile. Una delle sue dichiarazioni datata 1959 (che sembra essere indizio di partenza della sua quadrilogia) così presentava il suo obiettivo di cinema: “guardare dentro l’uomo, quali sentimenti lo muovano, quali pensieri, nel suo cammino verso la felicità o l’infelicità o la morte”. Nella sua produzione cinematografica (e in particolare nella tetralogia) assistiamo a continue decostruzioni, deformazioni, colpi di scena emozionali, falsificazioni esistenziali, continui assalti al reale. E tanti altri elementi che rendono il cinema di Michelangelo Antonioni un’opera unica che cercheremo di raccontare nei nostri seminari. Cercheremo di raccontare gli scenari dell’inquietudine, le tensioni espressive del suo cinema, i destini della vacuità ma soprattutto i suoi personaggi ovvero quelle maschere sofferenti e negate, tante volte annegate dal vivere. Cercheremo di analizzare il tentativo profondo, che abita la sua tetralogia, del voler raccontare (attraverso, anche, la metafisica e l’incomunicabilità) il senso della vita e le lacerazioni del quotidiano. E qui si incuneano i seminari dei “Racconti del contemporaneo” centrati sull’immaginario cinematografico di Michelangelo Antonioni.